L’esercizio in sé è molto semplice: si tratta di far cadere la mano a “peso morto” da una determinata altezza, ma se affrontiamo la cosa con particolare attenzione, allora riusciamo a notare diverse sfumature davvero importanti. Qui di seguito un video del nostro Andrew, dove spiega con particolare cura questo dal minuto 21 in poi…

È infatti difficile raggiungere il rilassamento durante la caduta per via del sistema extrapiramidale, un insieme di centri nervosi che hanno lo scopo di controllare le reazioni istintive orientate e adattarle al movimento volontario.

L’unico modo per superare questo “ostacolo” è quello di avere piena coscienza e controllo di quello che si vuole fare.

Abbiamo detto che la caduta altro non altro è che il lasciar cadere la mano a “peso morto” sulla tastiera. Analizziamo le fasi di una caduta:

1. pre-esecuzione mentale
2. esecuzione reale con piena coscienza
3. inspirazione nel momento di tensione ed espirazione durante il rilassamento
4. uso della comune sedia prima e poi l’uso dello sgabello dopo.

Di seguito trovate una serie di 14 esercizi interessanti con caduta:

1) Lasciar cadere la mano sulla tastiera senza alcuna precisione.
2) Ora si sceglie una nota precisa. Prima di lasciar cadere è consigliabile cantare la nota prescelta.
3) Ripetere gli esercizi precedenti mirando uno o più tasti neri.
4) Nel momento dell’impatto della mano con i tasti, bisogna far ammortizzare la caduta con un abbassamento del polso.
5) Ripetere tutti gli esercizi precedenti partendo con il braccio inerte e la mano appoggiata sul ginocchio, e alzando il braccio per poi lasciarlo ricadere con un movimento continuato ed omogeneo.
6) Dopo la caduta, tenere abbassato il tasto premuto e avvicinare ed allontanare dal fianco il gomito, tenendo il polso e la mano fermi.
7) Dopo la caduta, tenere abbassato il tasto e portare il gomito in avanti e indietro.
Dopo la caduta, tenere abbassato il tasto e spostare lateralmente il polso verso destra e verso sinistra, senza però coinvolgere avambraccio e gomito.
9) Uguale a prima, ma facendo un movimento di rotazione completo del polso.
10) Cadere col giusto allineamento del dito rispetto al proprio tendine.
11) Esercitarsi a cadere su tasti diversi, abituandosi a cantare il tasto che si sta per abbassare prima che il movimento venga effettuato.
12) Ripetere gli esercizi con le due mani.
13) Esercitare la caduta del solo avambraccio, tenendo fermi: braccio, spalla e gomito.
14) Esercitare la caduta della sola mano, tenendo fermo tutto il braccio, dalla spalla al polso.

La sincope viene utilizzata all’interno dei brani musicali per dare maggior movimento, grinta, novità, sorpresa. Ha un effetto veramente potente. Uno degli autori che ne ha fatto più utilizzo è stato sicuramente Beethoven, che grazie a questa riusciva ad ottenere risultati veramente sorprendenti!

Da rimanere senza fiato! Ecco questo era un’effetto speciale dovuto dalla sincope. Si possono ottenere tanti diversi effetti grazie a questo spostamento dell’accento, proprio come spiegato in questo mio piccolo video, dove illustro solo alcuni degli infiniti esempi possibili riguardo quest’argomento.

Ho preso in esame solo Beethoven come autore (e Cramer, suo allievo), ma ovviamente l’hanno utilizzata tutti!

Spero che questo lezione tu l’abbia trovata interessante! Se hai qualche altro esempio, puoi postarlo qui sotto come commento! Grazie!

con Sol3 + Do4 + Mi4 , mentre il successivo accordo di Sol (per esempio) viene eseguito in questo modo:

Con Sol4 + Si4+ Re5. Questa successione di accordi non va bene dato che c’è troppo divario fra i due accordi, e non c’è una giusta continuità. Ecco perchè ci sono alcune regolette pratiche da tenere sempre in considerazione per poter eseguire con una certa coerenza i rivolti.

Regola n.1

Se due triadi hanno una o più note in comune, si cercherà di utilizzare queste note in comune.

Il Do maggiore e il Sol maggiore hanno il Sol in comune, perciò questo dovrà essere preso in comune, come nell’esempio che segue:

Nella figura di sopra abbiamo l’accordo di Do e l’accordo di Sol. Come puoi notare la nota Sol (nota in comune fra i due accordi) è stata mantenuta per entrambi gli accordi.

Regola n.2

Se due triadi non hanno note in comune, le tre voci superiori si muovono in direzione opposta a quella del basso, mantenendo il minimo spostamento possibile.

Se per esempio andiamo ad eseguire l’accordo di Rem seguito da quello di Mim, noteremo che questi accordi non hanno neanche una nota in comune. Infatti il primo è formato dalle note: Re+Fa+La, mentre il secondo da Mi+Sol+Si. In questo caso, non essendoci note in comune, le tre voci superiori (considerando sempre 4 voci totali, 1 del basso e 3 superiori) si muoveranno in direzione opposta al basso. Che cosa significa? Che se il Basso si muove in senso ascendente, le tre note si muoveranno in senso discendente e viceversa.

Senza questa regola, sarebbe venuto spontaneo eseguire il Mim in moto ascendente, ovvero dopo aver eseguito l’accordo di Rem con le note: Fa+La+Re, quello di Mim sarebbe avvenuto con: Sol+Si+Mi. In realtà, come puoi notare dalla figura sopra, il Mim è stato eseguito in modo discendente  (Mi+Sol+Si) proprio perhè il Basso (la mano sinistra) è salito.

Se il basso sale, l’accordo della destra scende. Se il basso scende, l’accordo della destra sale.

Il video che prendiamo in considerazioni oggi ha per titolo: Piccole note sull’apprendimento ed esecuzione musicale.

Il titolo incuriosisce molto, ma i contenuti ancora di più. Ho visto e rivisto più volte questo video per cercare di trarre sempre di volta in volta quelle sfumature che non si colgono mai ad un primo ascolto, e consiglio di fare lo stesso anche a te.

Il video apre con la questione dello studio. A cosa serve studiare? Ovviamente lo studio ha la funzione di automatizzare i movimenti, grazie a delle continue ripetizione lente di un dato movimento, siamo poi in grado di ripetere tale movimento ad una velocità più elevata. Ovviamente questo studio va condotto con intelligenza. Ovvero bisogna studiare con criterio. Mi spiego meglio. Studiare un nuovo brano dopo 1 ora di esecuzioni di brani, non è molto producente. Non dimentichiamoci mai che suonare il pianoforte non è solo un lavoro fisico ma anche e soprattutto mentale. Perciò suonando sforziamo anche il cervello.

Il cervello dopo un po’ ha bisogno di riposo, e sicuramente questo riposo non lo trova attraverso lo studio. Il cervello per esempio trova il risposo quando eseguiamo uno spartito già studiato, quando diamo una rispolverata a vecchi brani, ma non quando dobbiamo studiare un nuovo brano. Così facendo infatti questo si ritrova a dover elaborare una miriade di informazioni quali: note, valori delle note, legature, dinamica, agogica, coordinazione delle mani ecc..

Uno dei punti del video che mi ha colpito di più è stato all’incirca attorno ai 7:30 min, quando valter49 descrive una verità poco appresa, secondo me, al giorno d’oggi.

Parla di come un pianista non è giudicato “bravo” o “talentuoso” in base al proprio grado di virtuosismo, ma deve essere giudicato tale in base all’espressività delle proprie interpretazioni. Beh, questa è una pura utopia. Insomma, chiunque di noi, mettendo a confronto diversi pianisti, dà un giudizio migliore a colui che muove le dita sul pianoforte ad una velocità maggiore rispetto agli altri. Questo secondo noi sarà “il più bravo”. Tuttavia questo discorso è molto povero.

Bisogna scavare più a fondo e non soffermarsi sull’aspetto superficiale delle cose. Bisogna capire anche il grado di preparazione di un pianista anche solo vedendolo eseguire un semplice Adagio.

Ma la verità è diversa. 9 volte su 10 un pianista viene giudicato in base alla propria abilità tecnica, soprattutto nei concorsi pianistici accade così. Il fatto è che già di per sè i concorsi pianistici sono un paradosso. Insomma, come si fa a valutare l’arte? Come si fa ad esprimerla in numero? Come si fa a dire che uno è più bravo dell’altro?

Sicuramente influiscono molto i gusti personali del giudice, ma allora il giudizio non sarà obbiettivo e a questo punto la domanda sorge spontanea: ma allora chi vince un concorso pianistico non sempre lo merita? Può essere. Molte volte colui che è stato eliminato prima o che è arrivato secondo viene messo in ombra dal primo classificato, anche se questo è dotato di molto talento. Ma non voglio entrare in questo ostico argomento quale i “concorsi pianistici”. Sta di fatto che, non potendo valutare l’arte, che di per sè è valutabile solo con un “mi piace” o “non mi piace”,  l’unico elemento oggettivo alla quale poter far riferimento senza alcuna discriminazione, è il livello di agilità di un pianista. Ecco perchè alcuni pianisti puntano a raggiungere quella perfezione tecnica dimenticandosi spesso del lato più importante: l’interpretazione.

Un’altra considerazione alla quale concordo in assoluto è riguardo all’interpretazione di Mozart. Spesso viene sottovalutato. Certo, credo che nessuna sua sonata, eccetto la k310, sia minimamente paragonabile ad una sonata di Beethoven, tuttavia anche le sonate di Mozart hanno un suo perchè. Molti si rifiutano di suonarlo reputandolo banale, con i suoi accompagnamenti con la sinistra col basso albertino, con la sua conclusione dominante-tonica con il trillo con durata dell’intera battuta sulla dominante, che lo rendono quasi prevedibile. Tuttavia suonare Mozart è più difficile di quanto sembra.

Per esempio, in Mozart, abbiamo un suono “secco” e “pulito”. Non abbiamo aiuti di alcun tipo, e non abbiamo quasi mai il pedale di risonanza (quello di destra). In Germania usano un modo di suonare con il pedale chiamato Ruttungspedal che sta a significare quel modo che usano molti pianisti per coprire gli errori attraverso un eccessivo utilizzo del pedale. Tradotto sarebbe il così detto Pedale di salvezza. Ecco, non essendoci quasi mai il pedale in Mozart, questa salvezza noi non ce l’abbiamo e di conseguenza siamo spogli, siamo nudi, siamo solo noi e le note, nient’altro.

Qui di seguito il video di 20 minuti, ti auguro una buona visione!

Quindi se per esempio andrò a suonare il Do2, si verranno a formare altri 16 suoni via via sempre più acuti e meno percepibili. Ecco la successione dei principali suoni armonici del Do2:

1. Do2
2. Do3
3. Sol3
4. Do4
5. Mi4
6. Sol4
7. Sib4
8. Do5
9. Re5
10. Mi5
11. Fa#5
12. Sol5
13. Lab5
14. Sib5
15. Si5
16. Do6

Ovviamente i numeri posti dopo le note raffigurano l’ottava in cui queste sono situate. Qui di seguito un rapido riassunto di quello che abbiamo detto seguito da una dimostrazione pratica.

Partiamo col dire che questi due termini, vengono posti sostanzialmente per definire: tonalità di un brano, modo di un accordo e modo di una scala musicale (ovviamente lo stesso discorso vale anche per gli arpeggi, scale di terze ecc..).

Sia che si tratta di un brano, che di una scala, che di un accordo, la loro definizione non cambia mai. Infatti il maggiore, sta sempre a significare una sensazione di allegria, mentre il minore sta sempre a significare una sensazione di tristezza. Quindi quando parliamo di modo (di una scala, di un accordo ecc..) parliamo di sensazioni. La musica è fata di sensazioni, ed è incredibile sapere di poter contare su questi due modi per esprimere i nostri due principali stati d’animo: felicità e tristezza.

Qui di seguito puoi trovare un video che spiega, attraverso degli esempi, il modo maggiore e quello minore. Se hai ulteriori dubbi, scrivimi sotto!

Queste note non sono nient’altro che doppie note o triple note, che sono posizionate a diversi intervalli dalla nota reale. Penso che sia molto difficile e confusionario spiegare tutto ciò attraverso delle parole, ecco perché ho creato questo video apposta per voi. Non mi resta quindi che augurarvi una buona visione!

Come hai potuto vedere dal video, una delle maggiori tecniche utilizzate è quella di inserire la sesta inferiore alla nota reale. Ciò vuol dire andare al di sotto di 6 note dalla nota reale ed aggiungerci quella nota. L’intervallo armonico di sesta dà davvero un bellissimo effetto, ma oltre a questo ha anche la funzione de riempire la frase musicale.

Come ho detto nel video, anche Allevi in Back To Life ha utilizzato questa tecnica. Tuttavia aggiungere una sesta non risulta sempre la tattica vincente, bisogna saper intuire quando questa ci sta bene oppure no. E’ solo questione di allenamento!

In tutta sincerità, questo passaggio non è affatto semplice e vuoi sapere perché? Perché è paragonabile ad un bambino che passa dalla camminata alla corsa. Più volte capiterà di cadere, ma poi pian piano, con molto allenamento, si potrà riuscire a correre alla massima velocità senza problemi.

Prima di poter arrivare a correre però, bisogna saper padroneggiare molto bene la camminata. Allo stesso modo funziona il pianoforte. Bisogna prima cercare di avere una buona padronanza delle mani separate. Solo quando questa sarà ad un buon livello si potrà finalmente iniziare a cercare di unire le mani. Prima di farlo però ci sono dei passaggi fondamentali.

Innanzi tutto bisogna cercare di portare entrambe le mani allo stesso livello. Ciò vuol dire che la mano sinistra dovrà essere forte come la destra prima di poterle unire altrimenti succederà poi che la sinistra si ritroverà a seguire la destra per inerzia e non per volontà propria. Questo è assolutamente da evitare! Ogni mano deve essere indipendente. Se hai problemi con la mano sinistra ti consiglio di dare una lettura a questo libro.

Rendere le mani indipendenti

Per cercare di rendere una mano indipendente dall’altra devi fare molto esercizio, ovviamente a mani separate. Un conto è rendere le dita indipendenti, e un altro conto è rendere le mani indipendenti.

Ciò vuol dire che l’articolazione non conta nulla ma sono solo le mani che devono cercare di non dipendere l’una dall’altra. Perciò la questione non è fisica ma è mentale. Si tratta infatti di cercare di raggiungere nel cervello un certo grado di coordinazione in modo tale che questo ci permetta poi di poter far suonare entrambe le mani due diverse melodie.

In questo era maestro il sommo Bach, che con le sue invenzioni a 2 e poi a 3 voci, ha creato un’opera didattica veramente formidabile.

Quello che devi fare perciò per rendere le mani indipendenti è suonare molto a mani separate, ed infine cercare di unirle molto lentamente e nel paragrafo che segue vedremo bene come fare.

Le prime note a mani unite

Una volta che hai suonato parecchio a mani separate (e quindi la sinistra si è portata al livello della destra), puoi iniziare finalmente ad unire le mani. Nel farlo devi suonare molto molto lentamente.

Cosa devo suonare?

Devi suonare le stesse note con entrambe le mani. Questo è in assoluto il primo passaggio. Devi perciò incominciare a dare le stesse note alle stesse mani. Ciò vuol dire che per esempio entrambe le mani  suoneranno le note  Do Re Mi Fa Sol contemporaneamente. Per ora è ancora presto per cercare di far svolgere due attività diverse alle mani, sono ancora molto dipendenti fra di loro.

Perciò prendi degli esercizi per le mani separate e utilizzali immaginando che questi siano per le due mani. In questo modo avrai un solo rigo musicale, ma può bastare per poter suonare con entrambe le mani. Questo esercizio ha un doppio beneficio:

1. Puoi iniziare a suonare con entrambe le mani
2. Il fatto che ci sia un solo rigo musicale e non l’accollatura fa sì che tu concentri il tuo sguardo solo su di un rigo anziché in 2. In questo modo la concentrazione che “risparmi” per non leggere l’altro rigo la puoi mettere nel cercare di far suonare le mani insieme.

Perciò prendi anche i primi esercizi del Beyer, e fingi che siano per le mani unite (ovviamente suona la parte dedicata all’allievo ).

Le mani unite

Benissimo, una volta che hai reso le mani forti, una volta che hai provato ad unirle facendole suonare le stesse note, è arrivato il momento di separarle. Ovviamente non intendo separarle nel senso letterale della parola, ma intendo nel senso che ora ogni mano deve prendere la sua strada.

Già, per farlo non c’è niente di meglio che iniziare con questo esercizio che potrai scaricare qui sotto.  L’esercizio è in Mi minore, ciò vuol dire che ha un diesis in chiave (il Fa#). Tutti i Fa che incontrerai nello spartito saranno perciò diesis.

Lo spartito è semplice ma carino, penso che ti potrai divertire nel suonarlo. Certo, è scritto con tempi e durate abbastanza larghi in modo tale da avere tutto il tempo possibile per poter preparare le note che seguono.

Ovviamente, una volta che avrai preso padronanza con l’esercizio, puoi aumentare la velocità di questo, fino a dimezzarne i valori (e quindi a raddoppiare la velocità del brano).

Spero che ti piacerà, qui di seguito puoi trovare il download dell’esercizio. Buono studio!

Download Esercizio

Cliccando sul pulsante che segue potrai scaricare gratuitamente l’esercizio da me creato per iniziare a rendere le mani indipendenti. L’esercizio è semplice ed è scritto totalmente in chiave di Sol in modo tale da poter rendere più facile la lettura e quindi l’esecuzione.

Tuttavia i giri armonici principali sono già stati costruiti da altri prima di noi ed è bene conoscerli perché, come vedrai nel video sotto,  si trovano ovunque (ma soprattutto nella musica leggera e pop). Questi giri inoltre sono alla base di una buona improvvisazione.

Qui sotto troverai il video con la spiegazione dei principali giri armonici, con i relativi esempi per renderti più chiaro il concetto. Buon visione!